Lluvia de Albóndigas

Un joven inventor algo desordenado de ideas se enfrasca en la invención de una máquina que se supone solucionará el problema de alimentación de Aldabas de Mar, la isla donde vive, convirtiendo el agua en todo tipo de comida. Cuando hace la primera prueba con ella llega a la conclusión de que necesita una fuente de alimentación mucho más potente que la que él tiene en su laboratorio y la conecta a la central eléctrica de la isla, a partir de entonces su invento se convertirá en todo un acontecimiento.

Película divertidísima tanto para niños como para adultos, principalmente por su alto contenido en personajes pintorescos y graciosos. Basada en el libro infantil Cloudy with a Chance of Meatballs de la escritora Judi Barrett. Con un argumento de lo más original para una peli (a pesar de estar basada en un libro) y un ritmo enloquecido nos sorprende a cada minuto de metraje, con infinidad de guiños a otras pelis de desastres, acción, ciencia ficción, como Matrix, El Señor de los Anillos o Armageddon entre otras, todo ello unido a los gags absurdos continuos y a los “chistes” en los diálogos hacen de Lluvia de Albóndigas una de las cintas de animación más divertidas que se han visto este año en las pantallas.

Altamente recomendable, como ya he dicho anteriormente, a niños y adultos ya que su guión se puede seguir de forma fácil por su fluidez, sin mensajes extraños de mundos mejores ni humor complicado, simplemente extravagancias y payasadas de los personajes. Y si alguien le quisiera buscar los tres pies al gato pues como máximo se podría hacer una lectura a modo de moraleja y tomando como base la escena del apio que diga: “si vas a comer todo lo que te dé la gana no te olvides de la verdura, podría salvarte la vida”, jejeje.

La voz de Flip, el personaje principal, en español es Flipy uno de los personajes del Hormiguero de Pablo Motos, y la verdad es que parece que se ha hecho el personaje a su medida ya que hasta el parecido físico impresiona.

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Amelia

Amelia Earhart fue la primera mujer piloto que cruzó el Atlántico, allá por el 1932 después de haber sido protagonista de varias proezas aéreas; George P. Putnam magnate del mundo editorial le ofrece la posibilidad de alcanzar la fama con ese desafío el cual consigue, pero aquello no solamente le hace ser famosa, la proeza la convierte en la “novia de América, la locura estalla en el mundo entero donde Amelia pasa a ser el ejemplo para cualquier mujer tenaz, trabajadora o simplemente tozuda y se convierte en fuente de inspiración de muchas mujeres célebres e importantes.

Casada con el señor Putnam, Amelia sigue estando hambrienta de grandes logros y alcanza varias metas de la aviación de aquellos tiempos, se convierte en la primera mujer que cruza el Atlántico en solitario y la primera persona que lo hace por segunda vez, consigue cubrir la distancia que separa Hawái de Los Ángeles pilotando ella sola, triunfando donde otros hombres murieron. Tal es su ansia por ir más allá que junto a su marido preparan el que será uno de los viajes más famosos de la historia; su siguiente paso será circunnavegar el planeta.

Una vida apasionante aunque en mi opinión demasiado compleja e interesante como para comprimirla en 111 minutos de nada, será por mi predilección hacia el personaje en cuestión. Personalmente creo que la historia está contada con el claro objetivo de ensalzar la figura de la aviadora pero no a su persona sino más bien a lo que ella representa en la sociedad americana, al icono Earhart, la leyenda, la lucha de la mujer en la sociedad de aquellos años, si es eso lo pretendido estamos de acuerdo y bastante satisfechos. Pero si se trataba de contar al mundo la vida de tan intrépido personaje, con esta peli no tenemos ni para un diente, supongo que no han querido perjudicar la imagen de Amelia Earhart contando con detalle sus abundantes escarceos amorosos extramatrimoniales, pero aparte de eso, la vida del personaje hubiera dado para muchísimo más a nivel dramático o si de lo que se trataba, como decíamos antes, era de ensalzar pues se podría haber adornado, puestos a inventar, los viajes de Amelia con algo más de aventura vistosa, cualquier cosa en lugar de ir saltando de flor en flor y picando un poco de todo, o más bien un poquísimo de casi todo.

Como biografía es injusta y está censurada, la colocaríamos en algún lugar indeterminado entre el drama y el documental faltándole mucho para llegar cualquiera de los dos géneros.

La película en sí no tiene mucho que analizar si acaso destacaríamos la parte de vestuario y decorados y sobre todo los diferentes modelos de aeroplanos, las réplicas de los que Amelia usó hace tantos años; también, por contar alguna cosa más, apuntar el trabajo de Richard Gere que a pesar de contar con un guión con pocas posibilidades (que no la historia), sabe sacarle un poquito más de jugo a su papel cosa que por el contrario no consigue Hilary Swank pese a lo mucho que lo intenta.

Recomiendo leerse el artículo de Amelia Earhart de Wikipedia antes de pagar la entrada del cine, es, con diferencia, mucho más apasionante.

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Millenium II: La Chica que Soñaba con una Cerilla y etc...

Lisbeth Salander vuelve a Estocolmo a intentar rehacer su vida, y para asegurarse que las cosas siguen estando tal y como ella las dejó va a visitar a su viejo amigo Nils Bjurman al cual vuelve a amenazar para, como he dicho, asegurarse su bienestar. Este al sentirse acosado y sin salida decide “encargar”, a unos amigos, la desaparición de Lisbeth. Unos hechos acontecidos en la ciudad hacen que nuestra prota tenga que esconderse e empezar a investigar por su cuenta. A su vez, Mikael Blomkvist, que está envuelto en una investigación sobre tráfico de mujeres llega al mismo punto que Lisbeth, con lo cual nos encontramos con los dos protagonistas investigando lo mismo pero esta vez por separado.

En la crítica de Millenium I: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres que un servidor escribió hace unos meses, me aventuré a decir que si bien la peli no me apasionó sí que lo hizo la enigmática, misteriosa y fría Lisbeth con todo su enigmático, misterioso y frío encanto y que esperaba impaciente el estreno de las otras partes de la saga para volver a deleitarme con el misterio y la frialdad de nuestra heroína y que creía que el personaje de la Salander se merecía una serie propia, si mal no recuerdo esas fueron más o menos mis palabras. Pues una vez consumido el plato de Millenium II y saboreados todos los jugos de los que he podido aprovecharme, puedo decir que aunque estoy harto de engullir Salanders y Blomkvists hasta aborrecer al final me he quedado con hambre, no quiero decir con esto que aún espere con más ansia todavía la Millenium III no, si no que después de dos mastodónticos platos de 159 minutos el primero y 129 el segundo aún no he encontrado aquello que me aproveche, me sacie o me deje a gusto. Además creo que ya he rebasado mi cupo de historia de mí, anteriormente, admirada Lisbeth, ya que en esta entrega se consume la mecha de la estrella o dicho de otra forma, se quema la cerilla sin que explote el bidón.

Millenium II no es más que otra cinta de carácter policíaco donde en vez de haber policías investigando lo que hay es un periodista y una “freelance” que no se sabe muy bien lo que es y que no pegan el uno con el otro ni soldando con autógena. Tema muy socorrido y con grandes resultados para literatura pero demasiado normal, muy corriente y descaradamente correcta para una película de cine, nada destacable excepto comentar, eso sí, la progresión del cine sueco que nada que envidiar tiene a estas alturas con el americano.

Noomi Rapace vuelve a dar vida a Lisbeth en el papel más elaborado y trabajado de la peli mientras que Michael “el estatua” Nyqvist continúa igual de estático e inexpresivo que en la primera.

P.D.: Otra nota destacable son las escenas de Lisbeth liberándose de su entierro en vida con la pitillera regalo de su amiga y amante Miriam Wu, y la de su lucha en el cobertizo al final de la cinta, únicos aspectos dignos de comentar y que se salen notablemente de la línea del film.



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Luna Nueva

Bella decide quedarse en Forks y continuar su relación con Edward y con su pálida familia; el día de su cumpleaños los Cullen hacen a Bella una fiesta sorpresa en la cual se desencadenan unos hechos que hacen cambiar la forma de pensar de Edward y aprovechando que la familia entera debe de cambiar de aires este decide abandonar a Bella para protegerla de su “condena”, y para que ella lo olvide, este le dice que nunca la ha querido, a partir de ese día Isabella vive inmersa en un profundo dolor que trata de superar con la ayuda de su joven amigo Jacob.

Primero de todo preguntar, ¿por qué han cambiado la estética del film?, quiero decir, en Crepúsculo toda la historia está adornada por un ambiente frio que además de acentuar los paisajes húmedos de Forks le daba a la historia un toque de drama vampírico palideciendo a todo el mundo y en especial a los vampiros, me refiero exactamente a que la primera parte de la saga está grabada en una tonalidad azul pálido que recrudecía los rasgos, dramatizaba un poquito más la cosa y lo sumía todo en una penumbra con mucho encanto. De repente en Forks ha salido el sol y todo ha retomado sus colores originales hasta Bella parece haberse dado unos bañitos de uva, para la estética de la prota esto ha ido muy bien ya que se la ve mucho más guapa si cabe pero para los chupasangre del film no sirve más que para que se les note el exagerado maquillaje que los palidece. Espero, por el bien del resto de la historia, que vuelva esa penumbra azulada que dotaba al film de un encanto extra.

Luna Nueva la película, seguramente tendrá poco que ver con Luna Nueva el libro pero seguro que pocas voces se alzarán en contra de tan descarado ultraje en esta ocasión ya que en el libro no se pueden apreciar con tanta claridad los abdominales, pectorales y demás bultos de la anatomía de los protagonistas con especial mención al personaje de Jacob por ser el más exhibicionista de la cinta, y si no que se lo pregunten a las tropocientas adolescentes histéricas que jaleaban a la pantalla cada vez que este se quitaba la camiseta: ¿Oye qué prefieres el libro o la película? AAAAAAAHHHHHHHHHHHHHH la peliiiiiiiiiiii !!!!!!!!.

En fin, aparte de si la película le hace justicia al libro o no, lo que si da la sensación es que esta segunda entrega no es más que una peli puente ya que en ella no pasa absolutamente nada aparte de la presentación en sociedad de los lobos ya que el tema con la que acaba la primera y con el cual nos dejaron a medias en esta ni siquiera se desarrolla, la vengativa vampira pelirroja tan sólo aparece unos minutillos y nada más.
También nos cuentan lo que se parece la historia de Bella y Edward con la de Romeo y Julieta, para mi gusto todo un poquillo forzado, obligándonos a tragar unos minutos que no tienen nada que ver a mi parecer con lo que hasta ese instante estábamos viendo con un viaje relámpago de Bella hasta Italia y vuelta a su vida.

Nada que destacar de los actores Kristen Stewart y Robert Pattinson, ya que siguen en la línea de Crepúsculo si acaso comentar el protagonismo que toma Jacob Black en el cuento, interpretado por Taylor Lautner, (nos quieren hacer creer que tiene 16 años, jaja…, pues 16 no pero si 17), nos muestra como su personaje evoluciona y alcanza una madurez forzada a mitad del film.

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2012 ó la gran ruta de rasqui hacia China

Científicos del gobierno descubren que un comportamiento inusual del Sol influye de manera alarmante en la Tierra, llegan a la conclusión que eso provocará un cambio en nuestro planeta, un cambio de dimensiones apocalípticas. Una vez avisados, los gobiernos del mundo se tendrán que poner de acuerdo para afrentar la más que posible extinción de todo tipo de vida en la Tierra.

Roland Emmerich, con experiencia en esto de los desastres naturales y especialmente con la destrucción del planeta o de alguna gran ciudad, nos hace palpable la teoría de un posible aunque materialmente incalculable fin del mundo basándose en una profecía del calendario Maya que predice un gran cambio para la humanidad en el año 2012, concretamente habla del “fin de la civilización que conocemos”, y la pregunta que parece que nadie se ha hecho es: ¿la civilización que conocemos nosotros o la que conocían los Mayas?, en fin, páginas y páginas de debate habrían con el tema. En la cinta casi no se toca el tema tan sólo se comenta brevemente dando más protagonismo a la teoría científica, cosa que considero acertada desde el punto de vista de un film abocado única y exclusivamente a la destrucción pura y dura, o sea al lucimiento de efectos especiales; eso sí, no faltan los típicos mensajes de ensalzamiento de la familia o de sacrificio mártir que tanto venden allá en los USA.

Emmerich nos da un paseo por el planeta en destrucción pasando de rasqui allá por donde va el protagonista, con unas imágenes de lo más espectacular haciendo que escondas la cabeza cada vez que se nos viene encima algún edificio, montaña, roca o cualquier otra cosa susceptible de salir por los aires en un día cualquiera del fin del mundo.

John Cusack es Jackson Curtis escritor divorciado, con su particular forma de actuar hace que parezca que con el no va la cosa, yo creo que mientras rodaba no pensaba en el fin del mundo; Chiwetel Ejiofor es Adrian Helmsley uno de los científicos descubridores del desastre, es el único del film que nos hace creer su parte; destacaremos, también, la supersecundaria aparición de Woody Harrelson con un papel que aunque es lo más cómico de la peli no le hace justicia para nada.

2012 casi no deja un momento para echarle un ojo al buquet de palomitas y digo casi porque al final la acción decelera de manera harto forzada haciéndose en algún que otro momento hasta ligeramente aburrida, pero por suerte esos momentos son muy puntuales ya que por lo general es una cinta de muy buen ver sin más pretensión que la de entretener y asustar un poquillo a la peña, nada, sólo durante tres añillos.

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La Cruda Realidad

Abby es una productora de TV, una mujer perfeccionista, controladora, que sabe perfectamente lo que quiere y lo que no, una mujer que lo tiene todo clarísimo… o no. Mike entrara en su vida de una forma inesperada y le demostrará que ese tipo de mujeres, no siempre gustan a los hombres.

Siempre buscamos lo mejor de lo mejor y en el campo del amor eso pasa la mayoría de las veces, quien, si no, (y esto va dirigido a los lectores masculinos) no se ha encontrado alguna vez en la situación de estar en pleno proceso de ligoteo con una chica y en el momento de máxima sinceridad esa fémina nos describe al tipo de hombre que está buscando (bueno mejor dicho esperando), y que ni por asomo nos parecemos lo más mínimo, que sea alto, guapo, rubio, de ojos azules, y el típico sincero, y en ese momento tú te repasas mentalmente, “1,80, ojos verdes, no son azules pero casi, rubio oscuro pero me podría decolorar, guapo guapo no soy pero no estoy mal”, pues no, no es suficiente deberías haber nacido rubio y con ojos azules ¡ah te jodes! y aún siendo así tampoco serías tú ya que tú estas ahí con ella y ese el cual ella espera no lo ha visto en su vida; a ver mujeres del mundo ese tío no existe siempre tendrá algo que no os gustará o a primera vista o bajo capas y capas de metrosexualidad pero allí estará y lo encontrareis. Y así os quedareis, esperando, hasta que lo aceptéis y asumáis que esto es La Cruda Realidad.

El jovencísimo director Robert Luketic nos presenta una comedia romántica típica tan y tan típica que antes de empezar ya sabemos cómo acabará, pero eso si muy muy divertida y con un mensaje que es una verdad como un templo, basta ya de estereotipos que no vamos a encontrar y que lo único que hacen es esconder algo que aguarda ahí, latente, esperando salir y que seguro no nos gustará.

Nadie se cree que una chica como Katherine Heigl busque desesperadamente a un hombre pero sí que una chica como ella busque de esa manera tan exigente y tan poco productiva a su príncipe azul, por el resto, y basándome en el aspecto cómico del personaje, pocas actrices de hoy en día transmiten ese buen rollo y esa frescura que Katherine desborda por todos los poros de su piel, por otra parte Gerard Butler parece haber nacido para este personaje ya que le va que ni pintado, como acabado de salir de las Termópilas (en lo que a “echao pa adelante“ se refiere) nos presenta a Mike en el film, un descarado, cínico y exitoso presentador de un programa de televisión sobre relaciones sentimentales. Butler se lo pasa en grande formando una pareja con Heigl de lo más divertida y haciendo fluir uno tras otro todos y cada uno de los gags de la cinta resultando ágil y para nada aburrida en ningún momento a pesar de su base completamente previsible.

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Ágora

Hipatia es una científica y filósofa en la Alejandría del siglo V bajo el poder del Imperio Romano; da clases en la mítica biblioteca de la ciudad a jóvenes estudiantes en tiempos de revueltas protagonizadas por diferentes etnias religiosas. El imperio está de capa caída y la nueva religión, el cristianismo, capta toda la atención, una religión en crecimiento y completamente intolerante la cual todos creían cosa de minorías se acaba alzando e imponiendo su credo en una persecución a muerte a todo aquello que no acate su palabra, la palabra de Dios.

Por lo visto, a estas alturas, a Alejandro Amenabar le gusta tocar todos los palos, director, guionista, compositor de sus propias bandas sonoras, ha rodado largometrajes de suspense, terror, drama, y ahora, ¿por qué no? un film épico de los de romanos de los de antes y es más rodada como los de antes con megadecorados y mucha mucha gente, nada de ordenador (bueno supongo que excepto en las escenas donde se ve Alejandría desde el aire) todo absolutamente todo de autentico y genuino cartón piedra.

Amenabar ha querido homenajear con este film a las maravillas de la antigüedad que allí se encontraban, El Faro, La Biblioteca de Alejandría, que, según él, parece ser que han sido condenadas al olvido en especial por el mundo del cine.

En general la cinta se queda como con ganas de estallar, varios flancos argumentales y todos tratados de manera poco profunda. El personaje de Hipatia se presenta con un halo de misterio gigantesco, una mujer sabia, filósofa de la antigua Roma fuerte influencia para los grandes hombres de la ciudad, confesa enamorada del saber, del conocimiento por la astronomía, sin interés por el amor salvo el que ella le profesa a la ciencia. Un personaje interesantísimo del cual en toda la peli apenas sabemos nada excepto lo que acabo de explicar. Seguramente el poco desarrollo del personaje se debe a que la cinta se centra principalmente en el alzamiento de los cristianos contra los romanos, revueltas que seguramente deberían pasar en un, hipotético, corto espacio de tiempo, con lo cual tampoco nos explican más allá de las revueltas ni del tremendo crecimiento del cristianismo en la ciudad del cual nadie era consciente. Otra de las vías argumentales son las dos historias románticas del film, la de Orestes no correspondida por Hipatia y que empieza y acaba en un visto y no visto con una escena en el teatro y por último, el amor secreto de Davos, el esclavo, por la científica que oculta durante todo el metraje.

Rachel Weisz demuestra que Hipatia le va como anillo al dedo con su semblante frio y sus miradas perdidas casi indiferentes, Max Minghella como Davos el esclavo muy acertado en su interpretación, a parte de su amor hacía su señora, lo demás lo típico guardar silencio y dejarse azotar el resto muy bien, personaje atrapado entre el amor carnal y el espiritual. Oscar Isaac es Orestes del cual empezamos no sabiendo nada, excepto que está enamorado de su maestra Hipatia, dando la sensación de actor de reparto más tarde reaparece como prefecto de Alejandría y convertido al cristianismo como por arte de magia y seguimos sin saber nada de él, ni un poquito de historia.

Amenabar aprueba por inercia y por la intención de su película más que por los resultados, nos cuenta una gran historia pero con todos los elementos desordenados y como arrojados sobre el escenario. Es arriesgado y valiente pero en Ágora parece haber descuidado demasiados detalles.



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Si la Cosa Funciona

Boris Yellnikoff, es un hombre maduro que siente que es demasiado inteligente para soportar al resto de la humanidad, la vida e incluso a si mismo. Tras un intento fallido de suicidio, abandona a su mujer y se muda a un piso, donde sobrevive dando clases de ajedrez a niños, machacando a la juventud y a todo bicho viviente que no esté de acuerdo con él. Lo que no puede imaginarse es que una visita inesperada le cambiará la vida.

Hay una cosa en el mundo que me produce una inmensa satisfacción, esa cosa es pasear por las calles de New York, perderme entre el gentío, dejarme seducir por sus infinitos aromas característicos, cruzar las calles de un lado a otro siguiendo la música que suena en cualquier esquina, etc…, de momento sólo he podido permitirme disfrutar de eso dos ocasiones en mi vida, por eso me gusta tanto Woody Allen porque nadie como él refleja esa sensación que sólo he podido vivir in situ en la Gran Manzana a parte de en la gran mayoría de sus films, por eso mi crítica de Si la Cosa Funciona no creo que vaya a ser muy objetiva ya que me considero fan del de Brooklyn, eso sí, me alegro de que haya vuelto a NYC para su última obra para mí un film de Allen no lo es del todo si no sucede en algún barrio neoyorkino.

La peli tiene todos los ingredientes necesarios que corroboran su autenticidad, es decir para certificar su denominación de origen “Woody Allen”, el personaje es, podríamos decir, un alter ego del director, con las manías, la fobias, el mal humor, la hipocondría, el complejo de superioridad y de inferioridad a la vez con los que siempre gusta de dotar a sus personajes tanto los interpretados por él como por otros actores. Esta vez Larry David es el encargado de encarnar al nuevo “bicho raro” de Allen y la verdad es que a pesar de las posibles carencias que pueda tener Larry como actor nos transmite de manera impecable el carácter del personaje.

Otro punto característico de la cinta son los discursos denuncia del prota, que como el típico músico introvertido y raro que se encierra en la habitación del hotel para después salir de ella y hacer vibrar a todo un estadio repleto de gente, en sus películas Woody parece aprovechar para hablar y quejarse de todo con lo que no comulga y que no suele declarar ante la prensa normalmente.

La actriz es Evan Rachel Wood, Melanie en el film, también la recordaremos como la hija de Rourke en El Luchador o también en La Vida Ante sus Ojos coprotagonizando con Uma Thurman entre otras, aporta esa ingenuidad justa para que el papel de Melanie case a la perfección con Boris, yo me la he creído a pies juntillas la verdad es que no sé si es así en realidad o no, a la nena me la he creído pero lo que no me he tragado es la relación entre los dos personajes han elegido a una mujer demasiado joven para hacer creíble el romance, aunque eso también le gusta Woody. El papel de la madre de Mel, interpretado a la perfección por Patricia Clarkson es otro de los atractivos de la peli protagonizando una metamorfosis de lo más divertida.

Una película recomendada para cualquiera que quiera pasar un rato divertido y de visión obligatoria para cualquier seguidor “Allenista” que se precie, ya que volvemos a encontrar al Allen desaparecido desde hace unas cuantas películas, al genuino clarinetista de Brooklyn.

¡¡Ah!! Y en la próxima Nicole Kidman.

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Malditos bastardos

Durante la ocupación Nazi en Francia muchas familias judías son perseguidas y deportadas, otras se ocultan para no ser encontradas; el coronel de las SS Hans Landa se ocupa de eso, conocido como “el cazajudíos” da caza a la familia de Shosanna Dreyfus a la cual asesina delante de ella eso da pié a Shosanna a esperar la oportunidad de vengarse, la cual tiempo después, le viene como caída del cielo.

Mientras, en otro lugar de Europa, el teniente Aldo Reine organiza a un grupo de soldados judíos para infiltrarse en Francia y matar nazis, eso es, no quieren prisioneros tan sólo matarlos y arrancarles la cabellera.

Film al más puro estilo Tarantino, recuperando la esencia Reservoir Dogs, abundantes diálogos sin desperdicio y muchas escenas de violencia mostradas sin tapujos, no tanto como en las dos Kill Bill, las cuales eran exageradas hasta cruzar la línea del gore, sino más, como ya he dicho antes, en la línea de Reservoir.

Lo mejor de la cinta, para mí sin duda los diálogos y algunos de los personajes, y sobre todo la manera de contar la historia, dividiendo el film en 5 capítulos en los cuales se nos van contando alternativamente las dos historias para acabar uniéndolas al fin en el último de ellos, todo ello con un nexo de unión, el personaje de Hans Landa que es sin duda en mi opinión la estrella de la peli.

Un reparto desbordante a pesar de la complejidad de los personajes; el primero Brad Pitt en el papel del teniente Aldo Reine iluminando al elenco con ese brillo especial para los papeles extravagantes que lo caracteriza, no decepciona para nada, la otra prota Mélanie Laurent como Shosanna Dreyfus la pobre fugitiva judía hambrienta de venganza, una interpretación más que creíble, Christoph Waltz es el coronel Hans Landa para mí el tesoro de la cinta nos hace retorcer de angustia con su malévola sonrisa, Diane Kruger es la agente doble Bridget von Hammersmark un personaje que ni pintado para “Helena de Troya”

En fin, a lo lejos ya se oyen los mandobles de las catanas de Kill Bill 3, sólo esperemos que nuestro querido Quentin no se desvíe demasiado de su estilo característico y nos deje tranquilitos de salpicaduras de sangre.

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Exorcismo en Connecticut

Matt es un adolescente al que acaban de diagnosticarle un cáncer, su madre tiene que desplazarse con él al hospital para que reciba tratamiento, eso implica un viaje largo en coche, la familia no está dispuesta a que Matt pase tantas horas de viaje en su estado delicado y deciden trasladarse cerca del centro, entonces la madre encuentra una casa antigua y en una decisión apresurada por el malestar de su hijo se da la vuelta a mitad de camino de regreso y alquilan esa casa. A partir de entonces a Matt le empiezan a suceder extraños acontecimientos que en un principio achacan al estrés por la enfermedad y a los efectos secundarios del tratamiento pero más adelante descubrirán que tienen más que ver con el pasado oscuro de su nueva morada.

Mirando el cartel e influenciado por el título de la cinta, en un principio creí que lo que iba a ver era otro cuento más de los subtitulados “basado en hechos reales”, y que no hay dios que se lo trague, o como mínimo otra historia de posesiones demoníacas en algún pueblo de la América profunda, pero no, nada más lejos de la realidad; aunque lo de basada en hechos reales tampoco hay dios que se lo trague, la historia no tiene nada que ver con exorcismos de ninguna clase, más bien la clasificaría como un thriller terrorífico.

Con un argumento muy ordenado, Peter Cornwell nos mete en el sufrimiento de Matt y de toda su familia por su enfermedad y sin perder ni un ápice de ese drama nos va asustando y manteniendo en tensión durante todo el film dándonos todos y cada uno de los datos para aclarar el misterio que guarda el caserón. Otro detalle a destacar es que aparte de la premisa típica de peli de terror (casa encantada e inquilinos atormentados), lo que más une a la historia con esa coletilla de basado en hechos reales, es la familia en sí, es decir madre desesperada y destrozada por la desgracia de la enfermedad de su hijo, padre alcohólico que al mínimo síntoma de desequilibrio familiar se abandona de nuevo a la bebida, todo ello potenciado por la mezcla de desesperación, dolor físico, incomprensión, aparente locura y curiosidad por los acontecimientos que transmite Kyle Gallner (Matt), dan un punto muy original de drama al resultado final.

En cuanto a Kyle Gallner, el protagonista, sabe hacernos ver el sufrimiento y desesperación, seguramente ayudado por su cara, un rostro muy adecuado para películas de este tipo, en ocasiones yo he visto en él a un nuevo Edward de Crepúsculo, Virginia Madsen en un justo y equilibrado papel de madre y por último Elias Koteas muy bien como el reverendo Popescu.

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Resacón en Las Vegas

Cuatro amigos viajan a Las Vegas un fin de semana para celebrar la despedida de soltero de uno de ellos dispuestos a tirar la casa por la ventana, comienzan la noche y al amanecer se darán cuenta que todo ha dado un giro inesperado y nada ha salido como debía salir.

Así a "botepronto" algunos dirán "pues me suena", pues sí la verdad es que tiene un gran parecido con Very Bad Things pero no es la misma película ni siquiera un remake, tan sólo en la esencia del argumento ya que Very Bad... nos contaba una historia mucho más cruel y sangrienta aunque no menos divertida que esta.

Resacón en Las Vegas es un film de Todd Phillips (Escuela de Pringaos, Starsky y Hutch,...), una cinta sin un minuto de descanso en cuanto a acción y sobre todo a situaciones cómicas, la comedia del verano sin duda alguna, llena de escenas disparatadas que en un principio parecen no tener sentido ni lugar pero que a medida que transcurre el film van cobrando significado y tejiendo el argumento de este aportando el ritmo frenético que caracteriza a la peli.

Según el propio Todd concedió a los actores la opción de improvisar para que todo fuera más espontáneo y fruto de esa espontaneidad fué la escena de Zach Galifianakis en tanga.

El cuarteto de actores protagonistas, mejor dicho el trío, ya que uno de ellos se descuelga durante la mayor parte del film, son más de la mitad del éxito de esta peli, reuniendo a tres amigos de lo más diferentes en cuanto a vidas pero unidos por una sola directriz apartar la madurez por una noche y abandonarse a la juerga que la Ciudad del Pecado ofrece.

Bradley Cooper , promesa de sex symbol inminente, es el que más claro lo tiene, olvidarse de todo y pasarlo en grande, Ed Helms interpreta al personaje que aporta el punto responsable a la historia aunque de nada le sirva, y la sorpresa del film Zach Galifianakis da vida a Alan el hermano de la novia que se apunta a la fiesta y aporta el punto más surealista y extraño a la aventura. También tenemos la participación de Heather Graham que aunque es la actriz que más cartel posee en el film su participación es casi un cameo; los que si protagonizan cameos en la película son el campeón Mike Tyson y el mismísimo director del film Todd Philips en la escena del ascensor.

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Arrástrame al Infierno

Christine Brown trabaja de comercial en un banco de Los Ángeles, una monísima chica con un gran afán de superación y dispuesta a hacer lo que sea para luchar con su compañero, único competidor por el puesto de subdirector de la sucursal. El director le aconseja que debe de tomar sus propias decisiones por muy duras que estas sean, Christine se lanza con una anciana gitana que visita la oficina con la intención de que le prorroguen el pago de una cuota de su casa, cosa que ya ha sucedido anteriormente en dos ocasiones, su decisión es no concederle la prórroga cosa que encoleriza de tal manera a la gitana que maldice a la chica haciendo de su vida una auténtica pesadilla.

Con toda esta chicha nos presenta Sam Raimi junto a su hermano Ivan Raimi, una nueva opción de terror en las salas de cine, un auténtico y genuino Raimi que después de la saga Spiderman nos trae un film de terror al más puro estilo de los 80 (su propio estilo), eso debe ser porque el guión fue escrito entonces, justo después de finalizar El Ejercito de las Tinieblas.

Arrástrame al infierno es una cinta de terror escatológico pero con mucha menos sangre que otros films del director, podríamos decir que es un terror nostálgico ya que nos recuerda a todas esas pelis de miedo que hacía tantos años que nada ni nadie nos recordaba y con las que tan bien nos lo pasamos.

La historia tiene un buen ritmo "in crescendo" sin un sólo detalle que echar en falta, con aquellas situaciones agobiantes tan efectivas en Posesión Infernal, escenas escatológicas exageradas hasta tal punto que más que dar asco nos hacen partirnos de risa, porque Arrástrame... es así, tan terrorífica como desternillante, sin pausa, sin descanso ya que Raimi quiere que seamos participes del sufrimiento de la protagonista, del agobio, logra que nos sintamos perseguidos y observados, que respiremos aliviados en los momentos relajados del film para hacernos estrujar los reposabrazos de las butacas un segundo después y que saltemos de ellas al segundo siguiente.

Alison Lohman es Christine la protagonista de la historia, la joven acosada, perseguida y vejada todo ello interpretado fantásticamente, una prota que sabe gritar, se lo cree y hace que nos lo creamos, perfecta. Justin Long es Clay Dalton el prometido de Christine, este personaje también lo considero administrado en su justa medida, no participa demasiado pero hace aumentar con su ignorancia la sensación de angustia, y con mención especial está Lorna Raver, actriz más de TV que de la gran pantalla, dando vida a todo un personaje de lo más creepy la anciana gitana Sylvia Ganush, siendo esta, en mi opinión, la sorpresa del film.

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G.I. JOE (Rise of Cobra)

Los G.I. Joe son un cuerpo de élite de un ejército internacional que dotados de los últimos avances tecnológicos en armamento y espionaje luchan contra la creciente amenaza de la misteriosa organización Cobra.

Con esta peli tenemos que ir al cine a pasarlo bien, casi con mentalidad de niños, ir a pasar un rato entretenido entre persecuciones, infinitas explosiones, personajes increíbles y mega sexys, y música atronadora, y no llevar a la sala ninguna otra pretensión más. No esperemos encontrar una historia elaborada, ni siquiera esperemos encontrar una historia, ni grandes diálogos, ni buena fotografía; sólo encontraremos efectos especiales, imágenes de acción, luchas, batallas épicas con vehículos increíbles, paisajes, todo ello realizados con tecnología digital.

A pesar de que los efectos especiales son el todo en esta cinta de Stephen Sommers (La Momia, La Momia 2, El Rey Escorpión, entre otras…), es esto mismo lo que no te deja seguir el escaso y absurdo hilo argumental sumiéndote en un caos de bombas, música y escenas de acción mostradas a velocidad de vértigo las cuales te hacen perder detalles, como ya pasa en sus otros trabajos como director o guionista en La Momia y secuelas.

La canción de los títulos de crédito, buen tema, de los Black Eyed Peas incluida en su último álbum, pegadiza y comercial, ideal para esta producción.

Que guapos y que sexys los actores, además enfundados en sus trajes confeccionados por el mismo sastre que elabora los de Batman no hacen más que interpretar las partes de diálogos ya que en las otras están completamente digitalizados; pero bueno como mínimo mencionaremos el reparto principal.
Channing Tatum como Duke el prota, Sienna Miller como Ana la mala sexy, Marlon Wayans como Ripcord compañero inseparable del prota y secundario cómico, Rachel Nichols como Shana O´Hara otra guapa y como no Dennis Quaid en un absurdo y vacio papel como el General Hawk, fugaz cameo de Brendan Fraser un fijo de Sommers.

Buena película para la tarde de verano, apoltronarte en la butaca y observar lo que sale en la gran pantalla pero eso sí, sin pensar demasiado ya que no llegarás a ninguna parte, a muchos ya nos ha pasado.

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Parcialmente nublado

A cada éxito de Pixar le acompaña un pequeño regalo que nos hacen previo al estreno esperado, un bombón cinematográfico que además de sorprendernos, siempre gratamente, nos sirve de aperitivo y nos abre el apetito para así poder digerir de mejor forma el show posterior.

Este año justo antes de Up, podremos disfrutar de Parcialmente Nublado, un corto de animación dirigido por Peter Sohn, animador de las exitosas, Buscando a Nemo, Los Increíbles, entre otras.

En Parcialmente Nublado, nos explican la famosa fábula de que las cigüeñas son las encargadas de entregar a los bebes, pero no desde París como muchos de nosotros creíamos no, sino que los van a buscar a las nubes que son las que los esculpen entregándolos a una cigüeña que cada una de ellas tiene asignada, pero claro como en todos los trabajos hay una parte complicada, y en este caso son los bebes, de distintas especies, "peligrosos", como cocodrilos, tiburones, etc..

Aquí los encargados son una sensiblona y parcialmente nublada nube llamada Gus y su correo una desesperada cigüeña de nombre Peck. Ellos nos harán pasar 6 minutos de auténtica diversión siempre con esas pequeñas notas de sensibilidad que los de Pixar tan bien expresan.

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Up

Carl Fredricksen es un anciano viudo de 78 años que toda su vida ha soñado ser un aventurero y viajar a los confines del planeta junto a su mujer, por circunstancias de la vida esta ha ido pasando y ni él ni su fallecida esposa pudieron hacer realidad su sueño, ahora él se encuentra sólo en su casa antes hogar idílico ahora una casucha en un minúsculo terrenito en medio de monumentales obras de rascacielos. Él y su casa no es que tengan un futuro muy prometedor así que Carl planea una manera muy original de dar la vuelta a esta situación.

El año pasado, como muchos otros, ya hubo batalla entre los dos grandes de la animación cinematográfica, DreamWorks y Pixar con Kung Fu Panda y Wall E aunque entonces para mí hubo empate, los dos lograron sorprendernos muchísimo. Este verano sinceramente creo que Pixar ha ganado la contienda por goleada y ha hecho que nos demos cuenta que son algo más que contadores de historias animadas, algo más que una productora de películas infantiles y sobre todo que son muy valientes arriesgándose cada temporada con cosas nuevas nunca vistas, precisamente el año en que DreamWorks se repite con Ice Age 3, Pixar contraataca con un bombazo nuevo, con estilo, humor, y muchísima emoción sobre todo.

Un argumento muy ordenado sin dejar cabos sueltos, con dosis de drama, lo justo para centrar correctamente la historia y cuando eso se consigue la cinta fluye como un torrente de aventuras y humor sin pausa.

Los personajes son perfectos, el abuelete Carl que representa la constancia y la lucha por los ideales, Russell el niño gordito es ilusión y complementa a Carl haciendo salir el punto de ternura que en un principio parece no tener el anciano, el perro Dug es sin duda el personaje cómico del film un divertido complemento a la pareja.

Sin duda alguna 'Up' es la clara referencia de que Disney-Pixar lo ha vuelto a conseguir. Sin rival en cuanto a la animación digital, les gusta dejarnos boquiabiertos cada año y para el año que viene ya lo tienen preparado.

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Imago Mortis o, en cristiano, Aburrimiento Mortal

Bruno estudia en la Escuela Internacional de Cine, para poder pagar sus estudios, el director le permite trabajar en los archivos del centro, a partir de entonces Bruno empieza a tener extrañas visiones por el lugar que le conducen a encontrar un viejo artilugio, el Tanatoscopio, una cámara fotográfica inventada en el siglo XVII que permitía captar la última imagen grabada en la retina de un individuo recién fallecido, este hallazgo le traerá muchos problemas.

Cinta de terror, terror que te entra cuando estás en la sala y te das cuenta del bodrio de película que acabas de entrar a ver. Le falta de todo, empezando por el terror que en ningún momento se encuentra, le falta suspense, le falta trama, se echa de menos un poquito de historia “pre argumental”, tiene clichés a punta pala pero ni con esas, ni los largos y oscuros pasillos recorridos por la cámara en un travelling recurrente y cansino frente al Bruno este de las narices que no hace otra cosa que gimotear y poner cara de asco por los rincones, ni las puerta lejanas al final de pasillos (porque de eso si que hay en la peli) con típicos fluorescentes parpadeantes (uuuuyy que miedo…), ni aún así encontramos el terror por ninguna parte ni siquiera las escenas de asesinatos impresionan lo más mínimo. Pena sí, de eso si encuentras, la que te da el director, guionistas y elenco al completo cuando empiecen a leer las críticas.

Y la música, más apropiada para una peli de aventuras medievales; o el doblaje, supongo que cada actor se ha doblado a sí mismo, en el caso de Geraldine Chaplin, Alex Angulo y Alberto Amarilla estoy seguro y, sinceramente, ni eso hace bien el protagonista de la cinta. Cacho petardo se han sacado de la manga.

Alberto Amarilla buuufff, no transmites nada de nada y mucho menos miedo chaval pero si no te lo crees ni tú, Oona Chaplin muy guapa pero nada más que destacar.

En fin, siempre suelo sacar lo bueno de las pelis pero esta no tiene nada bueno, así que os sugiero no perder ni un minuto de vuestro tiempo libre con Imago Mortis.

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Harry Potter y el Misterio del Príncipe

Harry, como siempre vuelve a Hogwarts para empezar un nuevo curso, en esta ocasión en un momento muy peligroso ya que los mortífagos intentan entrar en el castillo, y aunque Hogwarts es infranqueable, alguien sabe cómo hacerlo. Mientras tanto en el castillo empieza el curso donde Potter, Weasley y Hermione empezarán a vivir otro tipo de aventuras a las que nos tienen acostumbrados.

Sin tomar nada de referencia del libro, el cual no he leído, porque en a veces veo cine no analizamos libros sino películas de cine, pues eso, sin tomar en cuenta el libro que seguro es más completo y no es reflejado por el film con la fidelidad que merece y bla bla bla…, esta sexta parte de la saga mágica parece haber madurado en todos los aspectos, los actores involucrados en el universo Potter (Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson) desde 2001 pues como es natural han crecido, los personajes quizás no tanto como los actores pero también han evolucionado con la historia que sobre todo ha ido dejando el enfoque infantil que tenía en las primeras partes para transformarse más en un puro y duro thriller, potenciando el suspense y dejando un poco de lado los complementos cómicos más infantiles (en esta cinta ya no aparecen los fantasmas vagando por el colegio ni se ven apenas cuadros vivientes), todo se centra mucho más en la historia.

Todo eso, a mi juicio, se debe a que el director David Yates nos está preparando para el desenlace, que como ya sabéis será de dos partes (el último libro se partirá en dos para la gran pantalla), que con toda seguridad será dramático y quiere centrarnos más en ese aspecto de la historia.

Cuando acabas de ver la peli tienes la sensación de no haber visto nada, es decir no tiene un final concreto, el argumento lo deja todo abierto, pero esa sensación no es correcta, ya que muy lejos de ser un film típico de los de “hágase su propio final”, toda esta historia ya está escrita y únicamente nos hacen esperar.

Harry Potter y el Misterio del Príncipe se nos presenta como una película puente que pretende centrarnos en la historia sin marearnos con parafernalias mágicas y curiosidades del mundo mágico, nos enseña la crudeza de un Hogwarts vulnerable algo que hasta ahora era impensable nos muestra como a partir de ahora Harry se verá obligado a tomar la mayor parte de las decisiones sin protecciones ni apoyos de nadie, como el niño aprendiz de mago se ve obligado a madurar a la fuerza si quiere sobrevivir, aquí ya nada será como antes.

David Yates nos deja con ganas de saber más, esperando al estreno de Las Reliquias de la Muerte para seguir madurando la historia, y si no aguantas pues tienes el libro aunque en ese caso más que disfrutar el film te pasarás el rato buscando las diferencias.

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Fanboys

Estamos en 1998, pronto se estrenara en las pantallas Episodio I: La Amenaza Fantasma, nuestros protagonistas, un grupo de amigos friquis a más no poder apasionados de la saga Star Wars, tienen desde hace tiempo un plan, ir al rancho de George Lucas colarse dentro y robar la copia, antes de su estreno, de la precuela de La Guerra de las Galaxias, todo esto servirá para fortalecer su apasionada amistad.

Fanboys es una película de las típicas de carretera (road movie), es decir, casi en su totalidad los protas la pasan viajando, es una de esas películas que cae bien seas o no fan de Star Wars, cae bien por la ilusión que sus personajes transmiten, porque es una historia sencilla y mundana (una amistad deteriorada y de los esfuerzos de unos amigos para reflotarla), te contagia la pasión incondicional que se demuestra.

Nos sorprenden la gran cantidad de cameos que hacen un poco más curiosa y divertida la cinta, Seth Rogen en un doble papel, Carrie Fisher (Leia en La Guerra…) como la doctora, William Shatner (el capitán Kirk en Star Trek) haciendo de él mismo, etc…, así como los continuos guiños a la exitosa “saga estelar” (la furgoneta de Hutch que arranca igual que el Halcón Milenario, etc…)

Personajes para nada complicados todos muy bien interpretados, destacando el cambio de look de Kristen Bell a la que me costó reconocer.

Recomendable si quieres pasar un muy buen rato y altamente recomendable si eres tú también un Fanboy, aunque verla es un poco difícil ya que se estrenó el febrero pasado en USA pero aquí todavía no hay fecha y no se sabe si la habrá.

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Ice Age 3: El Origen de los Dinosaurios

Una nueva aventura, lleva a los personajes de Ice Age a un mundo oculto bajo el hielo de la superficie donde aún viven dinosaurios, un Shangri-La prehistórico donde llegan siguiendo el rastro de su amigo Sid secuestrado por una bestia desconocida.

A pesar de que no tiene nada nuevo que contar, a la saga Ice Age todo se le puede perdonar ya que cumple con el requisito esencial que es animar y entretener, más allá de los mensajes de integridad familiar, sentido de equipo, etc… que se le puedan encontrar esta es una peli para distraer y la verdad es que lo consigue, no sin repetirse en varios gags, sobre todo en los que sale la famosa ardilla Scrat que toma sobre sus hombros el peso cómico del film, haciendo uso casi abusivo de las gracias ya explotadas en las otras partes de la saga llegando a ser del todo previsible, pero a pesar de eso no se puede negar que uno se sigue riendo (esencial la escena del tango entre las dos ardillas). En cualquier otro film nos hubiéramos aburrido notablemente pero en el caso de Ice Age uno ya sabe lo que va a ver y sabe lo que se espera de la peli por eso quizás vamos predispuestos a la risa fácil algo parecido nos pasa con el popular Shrek.

Dos elementos a destacar y además nuevos en la historia el primero y esencial para apoyar a la estrella Scrat es la ardilla Scratte, muchas de las mejores escenas de la cinta pasan por estos dos personajes, y el otro el solitario y aventurero Buck una excéntrica comadreja que vive en el mundo perdido de los dinosaurios para dejar atrás su entorno aburrido y vivir emocionantes aventuras.

Se rumorea que no vale la pena verla en su versión 3D ya que carece de detalles que la diferencien de manera notable de su versión bidimensional.

Supongo que si queremos ver cosas nuevas, con o sin mensaje, debemos fijarnos más en cosas como Los Mundos de Coraline o la próxima Up.

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Corazón de Tinta

Brendan Fraser es Mortimer Flochart, un “pico de oro”, esto significa que tiene un don muy curioso, cuando Mo lee un libro en voz alta hace que sus personajes aparezcan en el mundo real pero no sólo eso sino que a la vez una persona real pasa a perderse en el mundo fantástico de ese libro. Un día leyendo una historia a su hija su mujer Resa desaparece acabando en las páginas de “Corazón de tinta”, desde ese día no vuelve a leer en voz alta y se dedica junto a su hija Meggie a buscar un ejemplar de esa rareza editorial para intentar arreglar las cosas. Pero por el camino va encontrándose con diferentes escollos.

Bonito cuento de fantasía mezclado con la realidad al que no le falta de nada, está el bueno, el malo, la doncella, el monstruo, un romance, una tragedia, pero todo está un poquillo desordenado como reunido deprisa y corriendo, seguramente el libro, como es natural, narra la historia de manera mucho más sosegada haciéndose mucho más comprensible cosa que en el film se echa de menos. Varios datos importantes no se explican confiando demasiado en la perspicacia del espectador como por ejemplo la razón del don de Mo, o ¿porque Meggie no sabe de la desaparición de su madre ya que siendo una niña lo creería a pies juntillas y se lo explican aceleradamente ya con 12 años y se lo traga de pe a pa?

La cinta nos quiere dejar un mensaje claro sobre todo con una de las frases del film, “la palabra escrita es un arma muy poderosa”, nos explican la importancia de leer libros, todos los personajes de la peli están entusiasmados y fascinados por la literatura, si perfecto estamos de acuerdo eso queda muy claro, pero ¿y la historia?, el argumento es bastante sencillo para lo que se podría haber desarrollado.

Brendan Fraser, como siempre con su único registro hace que estés esperando en cualquier momento la aparición de la momia, bastante parco en expresividad lo mismo le da que intenten matarlo como encontrar a su esposa desaparecida, Meggie es Eliza Hope Bennet quizás el único personaje creíble de toda la peli bravo por Eliza, el malo es Andy Serkis conocido por interpretar al “entrañable” Gollum y Smeagol en la trilogía de El Señor de los Anillos, es Capricornio en Corazón de Tinta bien como villano aunque un poquito flojo y con un papel bastante escaso, a destacar Helen Mirren en el papel de la tía Elinor personaje algo ridículo para la actriz.

Corazón de tinta es la primera novela de una trilogía escrita por Cornelia Funke que pasa a formar parte de la colección inacabable de proyectos de sagas cinematográficas empezados, y ya veremos si finalizados, por Hollywood, el film se une a las películas fantásticas que han querido hacerle sombra a Harry Potter sin conseguirlo ni por asomo.

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Transformers 2: La Venganza de los Caídos

Sam empieza la universidad, por primera vez se separará de sus padres y de su novia Mikaela, ajeno totalmente a que la historia está a punto de repetirse. Sin saberlo Sam se ha convertido en el centro y la razón de la venganza de los Decepticons los cuales no tardan en entrar en acción lo cual hace que Sam tenga que dejar sus planes universitarios para volver, junto con sus amigos los Autobots, a hacerse cargo de la seguridad mundial.

Clavada en todo a la primera parte exceptuando el derroche de acción, explosiones, persecuciones que inundan el film por completo y que quizás son más abundantes en esta secuela, escenas perfectamente elaboradas en cuanto a efectos especiales, que eliminan de raíz cualquier asomo de aburrimiento que el exceso de metraje pueda ocasionar (sello Michael Bay), una gran dosis, como no, de patriotismo y de defensa de los principales valores de la cultura yanqui, la familia Witwicky principalmente, que juega un papel mucho más importante en esta segunda parte.

El mismo equipo tanto delante como tras las cámaras hacen que la cinta tenga un ritmo calcadito a su antecesora, con unos ligeros cambios como la introducción de dos personajes cómicos en la forma de dos Autobots (robots de los buenos) que en mi opinión sobran pero que están bien si el objetivo es quitar hierro a algunas escenas violentas de cara al público más joven, en la parte de los Decepticons (robots de los malos) vuelve a aparecer, también, un “secundario cómico”, un robotillo que se transforma en todoterreno de juguete, recordemos que en la primera parte aparecía uno que se transforma en el móvil de la Fox.

Shia Labeouf (Sam Witwicky) con el mismo registro al que nos tiene acostumbrado (claro que tampoco lo hemos visto de prota en tantas otras pelis que no se llamen Transformers) pero bien en general, Megan Fox (Mikaela) es la “noviafloreroperritofaldero” de Sam, que en esta cinta tiene una escena en la que se luce pero más bien como modelo, es su primera escena en la peli donde posa como para la revista Playboy encima de una moto haciendo como que pinta en una postura un poquillo forzada y hasta ahí puedo leer, John Turturro aparece de nuevo en esta entrega como el verdadero personaje cómico de la cinta.

Peli de las que los novios quieren ver pero las novias no y que gusta incondicionalmente a todo hombre menor de 25 años, muy distraída y con final feliz. Todo un “Yes We Can cinematográfico”*.

*También conocido como americanada.

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Millenium I: Los Hombres que no amaban a las mujeres

Mikael Blomkvist es uno de los directores de la revista Millenium, recientemente acusado y condenado por difamación, antes de cumplir condena recibe una oferta para realizar un trabajo fuera de lo normal, investigar el asesinato de Harriet Vanger.

Esta vez sí que podemos decir que esta es la versión cinematográfica de la novela de Stieg Larsson, casi podríamos decir que es la copia para cine de la novela de Larsson, ya que su calcada fidelidad en el argumento sólo se ha debido de variar para que no sea eterna como película, y aún así, la verdad es que es un poquillo larga. Pese a su, para mí, excesivo metraje, la cinta no se hace demasiado aburrida, se podría decir que poco a poco te la vas tragando (como con el “búquet” de palomitas, cuando lo compras piensas que es demasiado y a la que te das cuenta ya tienes el brazo metido dentro hasta el codo rebañando las migajas).

Pues bueno, con mi búquet ese estuve viendo Millenium I y si tan clavada es a la novela gráfica original creo que no la leeré, ya que no me pareció nada innovadora como para causar tanta y tanta expectación, ni tampoco me pareció una historia nada original, y ni la chica es tan guapa ni el chico tan feo (bueno, rectifico, sí que lo es bastante) ni tan chico. Para mí lo verdaderamente atractivo de esta peli es el personaje de Lisbeth Salander y sobre todo su historia personal que seguro seguiremos conociendo a lo largo de las otras dos entregas de Millenium aunque quizás no acabaremos de hacerlo del todo ya que Larsson falleció en 2004 dejando empezada la cuarta entrega de la serie.

Lisbeth, sublimemente encarnada por la actriz de televisión Noomi Rapace (hija de un cantaor de flamenco), es un personaje que merecería serie propia ya que esa sí sería una historia innovadora, cruda y fría, en fin quizás estoy hablando demasiado ya que no sé de que van las otras dos partes de la saga, Lisbeth es la fuerza, el misterio, la compasión, la pena, el odio, es el thriller del film, Lisbeth es en esencia Millenium I, de tratarse de un comic el centro de la trama sería ella, ella sería la heroína, la estrella; su compañero en el reparto y teórico protagonista Michael Nyqvist no pasa del aprobado principalmente por su acentuada inexpresividad; demasiada diferencia entre las interpretaciones de Noomi Rapace y el resto del elenco que parecen ser más parte del attrezzo.

Pese a que la peli no me ha apasionado, espero con ganas las otras dos partes, mejor dicho espero a que vuelva Lisbeth.

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